Искусство эпохи Возрождения

культура возрождение искусство микеланджело Искусство античности составляет одну из основ художественной культуры Возрождения. Известно, что античное наследие было использовано и в средние века, например, во времена каролингского Ренессанса, в живописи оттоновского периода в Германии, в готическом искусстве. Но отношение к этому наследию было различным. В средние века воспроизводились отдельные памятники и заимствовались отдельные мотивы. А представители Возрождения находят в античной культуре то, что созвучно их собственным устремлениям, — приверженность к реальности, жизнерадостность, преклонение перед красотой земного мира, перед величием героического подвига. Вместе с тем, сложившись в иных исторических условиях, впитав в себя традиции романского стиля и готики, искусство Возрождения несет в себе печать своего времени. По сравнению с искусством классической древности духовный мир человека становится все более сложным и многогранным.

В это время итальянское общество начинает активно интересоваться культурой Древней Греции и Рима, разыскиваются рукописи античных писателей, так были найдены сочинения Цицерона и Тита Ливия. Эпоха Возрождения характеризовалась многими очень значительными переменами в умонастроениях людей по сравнению с периодом Средневековья. Усиливаются светские мотивы в европейской культуре, все более самостоятельными и независимыми от церкви становятся различные сферы жизни общества — искусство, философия, литература, образование, наука.

Образованных и одаренных людей в этот период окружала атмосфера всеобщего восхищения, поклонения, их чтили, как в Средние века святых. Наслаждение земным бытием — это непременная часть культуры Возрождения.

Рисуя идеал человеческой личности, деятели Возрождения подчеркивали ее доброту, силу, героизм, способность творить и создавать вокруг себя новый мир. Непременным условием для этого итальянские гуманисты Лоренцо Валла и Л. Альберти считали накопленные знания, которые помогают человеку сделать выбор между добром и злом. Высокое представление о человеке было неразрывно связано с идеей свободы его воли: личность сама избирает свой жизненный путь и сама отвечает за свою судьбу. Ценность человека стала определяться его личными достоинствами, а не положением в обществе: «Благородство словно некое сияние, исходящее от добродетели и озаряющее ее обладателей, какого бы происхождения они не были».

Культура Ренессанса формировалась как от-рицание средневековых догматов, но в ней не могло не проявиться влияние средневековой культуры. Это преобладание библейских тем сюжетов, влияние схоластики, большинство заказов мастерам делала церковь. Возрождение — это время выдвижения на 1-й план живописи из-за стремления искусства Ренессанса познать и отобразить реальный мир, его красоту и разнообразие. Наступала эпоха стихийного и буйного самоутверждения человеческой личности, освобождающейся от средневековой корпоративности и морали, подчиняющей индивида целому.

Эпоха Возрождения — время великих открытий, великих мастеров и их выдающихся произведений. Она отмечена появлением целой плеяды художников-ученых, среди которых первое место принадлежит Леонардо да Винчи.

Это было время титанизма, который проявился и в искусстве, и в жизни. Достаточно вспомнить героические образы, созданные Микеланджело, и самого их творца поэта, художника, скульптора. Люди, подобные Микеланджело или Леонардо да Винчи, являли собой реальные образцы безграничных возможностей человека.

Изобразительное искусство в эпоху Возрождения достигает невиданного расцвета. Это связано с экономическим подъемом, с огромным сдвигом, происшедшим в сознании людей, обратившихся к культу земной жизни и красоты. Изобразительное искусство Возрождения во многих отношениях представляет контраст средневековому. Оно знаменует становление реализма надолго определившего развитие европейской художественной культуры. Это сказалось не только в распространении светских изображений, в развитии портрета и пейзажа или новой, иногда почти жанровой интерпретации религиозных сюжетов, но и в радикальном обновлении всей художественной системы. В эпоху Возрождения объективное изображение мира было увиденное глазами человека, поэтому одной из важных проблем, ставших перед художниками, была проблема пространства.

В XV веке эта проблема была осознана повсеместно, с той лишь разницей, что на севере Европы, в частности в Нидерландах, к объективному построению пространства шли постепенно, путем эмпирических наблюдений, в то время как в Италии уже в первой половине столетия была создана научная теория линейной перспективы, основанная на геометрии и оптике. Эта теория, позволяющая построить на плоскости трехмерное изображение, ориентированное на зрителя и учитывающее его точку зрения, означает победу над средневековой концепцией изображения.

Художники стали видеть мир иначе: плоскостные, как бы бестелесные изображения средневекового искусства уступили место трехмерному, рельефному, выпуклому пространству. Рафаэль Санти, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти воспевали своим творчеством совершенную личность, в которой физическая и духовная красота сливаются воедино в соответствии с требованиями античной эстетики. Художники Ренессанса опираются на принципы подражания природе, используют перспективу, правило «золотого сечения» в построении человеческого тела. Леонардо да Винчи характеризует живопись как «величайшую из наук». Принцип «природосообразности», стремление как можно точнее воспроизвести изображаемый объект, а также присущий данному периоду интерес к индивидуальности сообщают тонкий психологизм работам мастеров Возрождения.

Работы художников становятся подписными, т. е. подчеркнуто авторскими. Все больше появляется автопортретов. Несомненным признаком нового самосознания является и то, что художники все чаще уклоняются от прямых заказов, отдаваясь работе по внутреннему побуждению. К концу XIV века ощутимо меняется и внешнее положение художника в обществе. Художники начинают удостаиваться всевозможных общественных признаний, должностей, почетных и денежных синекур. А Микеланджело, например, вознесен на такую высоту, что без боязни обидеть венценосцев он отказывается от предлагаемых ему высоких почестей. Ему вполне хватает прозвания «божественный». Он настаивает, чтобы в письмах к нему опускали всякие титулования, а писали просто «Микеланджело Буонаротти». У гения есть имя. Звание для него обуза, ибо сопряжено с неизбежными обстоятельствами и, стало быть, хотя бы с частичной утратой той самой свободы от всего, что мешает его творчеству. А ведь логический предел, к которому тяготел художник Возрождения, — обретение полной личной независимости, предполагая, понятно, в первую очередь свободу творческую.

Характерной чертой Ренессанса была тесная связь науки и искусства. Это обусловило титанизм личности Возрождения: мастера Ренессанса, особенно Высокого, совмещали в себе и художников, и поэтов, и инженеров, и музыкантов. Наиболее яркими примерами титанов Возрождения можно назвать Леонардо и Микеланджело. Эти мастера представляют два полюса Возрождения. Они сходны лишь в том, что после них не было и не могло бы быть продолжения в рамках стиля Ренессанс; после них была новая эпоха, новое направление как в культуре, так и в миропонимании. А в остальном — это две противоположности как в искусстве, так и в архитектуре, и в судьбе. Если у Микеланджело все его замыслы, какими бы гениальными и грандиозными они не были, остаются в пределах его физических возможностей, выполнимые пусть ценой нечеловеческих усилий. В большинстве случаев они были осуществлены, т.к. для Микеланджело невыполнение чего-либо было огромной душевной мукой. Материализация, пластическая определенность были более всего важны для него. Но в творчестве Микеланджело присутствует внутренняя незаконченность. Для Леонардо же незаконченность вообще не трагедия, она не ставит под сомнение его творческого гения. Его более интересовало начинание, поиск решения проблемы, а когда он видел выход, то завершение работы переставало его интересовать. Микеланджело был не только великим художником, но также поэтом, политическим деятелем. Будучи неуверенным в себе меланхоликом, неряшливым и угрюмым, очень замкнутым и болезненным, в своем творчестве он предстает титаном как физически, так и духовно. По словам Вазари, Микеланджело тяготился своим гением, а стремление к завершенности заставляло его работать до изнеможения. Нет художника более материального, чем Микеланджело, потому что избыток духа порывается осуществиться в избытке плоти, вздувая мышцы, распирая торсы изнутри. Леонардо был полной противоположностью Микеланджело. Хотя он был не так богат, но всегда был изысканно одет, красив, располагал к себе сердца. Для Леонардо главное — постижение всего в мире до последнего предела. По своему строю творческого мышления — это отстраненный, наблюдающий ум. Он не в силах был ограничиться живописью и вообще искусством. Он был инженером, конструктором. При встрече короля Франциска I Леонардо сконструировал механического льва, который прошел по залу 200 м, а когда остановился перед королем, из его груди посыпались лилии, символ власти французских королей. Если Микеланджело можно назвать самым гениальным художником Возрождения, то Леонардо — самым великим замыслом художника Ренессанса. Микеланджело материализовал дух, а Леонардо одухотворял природу. Если Леонардо и Микеланджело можно представить как 2 полюса Возрождения, то его серединой можно назвать Рафаэля. Именно его творчество наиболее полно выразило все принципы Возрождения, оно уложилось внутри Ренессанса. Искусство Рафаэля на все времена стало символом гармонии, воплотило ее в себе. Но титанизм личности относится ко многим деятелям Возрождения, таким, как основатель и крупнейший представитель северного Возрождения А. Дюрер; итальянский историк, поэт, философ и дипломат Макиавелли, гуманист Пико Мирандолла и др.

В искусстве Ренессанса человек стал реальной и независимой ценностью. В архитектуре это проявляется не только в очеловечивании пропорций зданий, но и в создании идей этажа. В архитектуре особенно большую роль сыграло обращение к классической традиции. Оно проявилось не только в отказе от готических форм и возрождении античной ордерной системы, но и в классической соразмерности пропорций, в разработке в храмовом зодчестве центрического типа зданий с легко обозримым пространством интерьера. Особенно много нового было создано в области гражданского зодчества. В эпоху Возрождения получают более нарядный облик многоэтажные городские здания (ратуши, дома купеческих гильдий, университеты, склады, рынки и т. д.), возникает тип городского дворца (палаццо) — жилище богатого бюргера, а также тип загородной виллы. Разрешаются по-новому вопросы, связанные с планировкой городов, реконструируются городские центры. Формируется отношение к архитектуре как к проявлению индивидуального мастерства. Обращение к образцам античности вкупе с развитием математики и инженерных наук порождает идею гармонического совершенства в искусстве вообще и в зодчестве в частности. Сочинение «О божественной пропорции» Л. Почоли, рассуждения о необходимости грации наряду с правильными пропорциями и соответствии античным образцам в «Жизнеописании наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Д. Вазари, а также работы А. Палладио, В. Данти и др. создают теоретическую базу, согласно которой и действуют мастера Возрождения.

В музыке продолжается развитие вокальной и инструментальной полифонии. Особенно заметна сложившаяся в XV веке нидерландская полифоническая школа, игравшая значительную роль в профессиональной европейской музыке на протяжении двух столетий, вплоть до появления оперы (композиторы Ж. Депре, О. Лассо). В светской музыке появляются новые жанры: фроттоле — песня народного происхождения в Италии; вильяниско — песенка на любую тему, от лирических и пасторальных до исторических и нравоучительных — в Испании; мадригал — вид песенной лирики, исполнявшийся на родном языке). В то же время некоторые музыкальные деятели обосновывают преимущества монадической музыки, в противовес увлечению многоголосьем. Появляются жанры, способствующие утверждению гомофонии (одноголосья) — сольная песня, кантата, оратория. Развивается и теория музыки.

Человек с его земными страстями и желаниями появился и в литературе. Запретная прежде тема плотской любви, натуралистические ее описания получили право на существование. Однако плотское не подавляло духовного. Как и философы, писатели старались создать гармонию двух начал, или, по крайней мере, их уравновесить. В знаменитом «Декамероне» Боккаччо озорные фривольные новеллы о сластолюбцах чередуются с трагическими рассказами о безответной или самоотверженной любви. В сонетах Петрарки, посвященных прекрасной Лауре, небесной любви приданы земные черты, но и земные чувства возвышены до небесной гармонии.

Блистательный расцвет литературы был вызван установкой на восстановление связей с античностью. Именно эта посылка окончательно разрушила синкретизм средневековой словесности. Поскольку главным в искусстве эпохи Возрождения было подражание не конкретным произведениям античных авторов, а основным принципам создания этих произведений, мастера Возрождения внимательно изучали труды теоретиков античной литературы: «Поэтику» Аристотеля и «Послание к Пизонам» Горация. Часто положения этих трудов абсолютизировались, возводились в догму, а сами Аристотель и Гораций восхвалялись как непререкаемые авторитеты. Однако ни Аристотель, ни Гораций не могли полностью обеспечить потребность в развернутом учении о законах поэтического творчества иного времени и иной цивилизации. Поэтому, «истолковывая их», гуманисты Возрождения создавали практически новую поэтику, соответствующую их собственным эстетическим принципам. Установка на подражание античным образцам привела к кардинальному пересмотру системы литературных жанров: в драматургии на смену мистерии, моралите и мираклю пришли трагедия и комедия; в лирике появились ода, сонет и пастораль; в эпосе сформировались новелла и роман. Сонеты Ф. Петрарки вызвали целую волну европейского «петраркизма», новеллистка Дж. Бокаччо определила характер развития этого жанра вплоть до наших дней, тогда как романы Ф. Рабле («Гаргантюа и Пантагрюэль») и М. Сервантеса («Дон Кихот») заложили основу для создания ведущего эпического жанра нового времени. Наконец, драматургия У. Шекспира на многие годы стала основой репертуара лучших европейских театров.

В заметке, озаглавленной «Различие положения в конце древнего мира (ок. 300 года) и в конце средневековья (в 1453 году)» Ф. Энгельс говорит о «могучем литературном подъеме XIV века», а в его известной оценке места Данте в истории культуры в качестве рубежа выступает 1300 год (Маркс К., Энгельс Ф. Соч. Т. 20. С. 506; Т. 22. С. 382.) Ренессансной литературе приходилось вскрывать свойственное многим людям того времени переплетение героического энтузиазма, титанической энергии и разносторонности с чертами феодальными и с хищничеством «первоначального накопления». Не случайно художниками Возрождения, особенно в Англии — Кристофером Марле и Шекспиром, — была создана галерея персонажей, исторических, легендарных, современных, у которых необузданный индивидуализм перерастает в неслыханное злодейство. Завоеватель Тамерлан, ростовщик Варавва у Марле, шекспировские короли — от Иоанна до Ричарда III, многие частные лица — Эдмунд, Яго, Шейлок — отражают и воплощают жестокость времени, злодейские умыслы, ранее не доступные средневековому «патриархальному» варварству. «Первоначальное накопление» в эпоху Возрождения было двойником исторического прогресса.

Театр в эпоху Возрождения становится самостоятельным видом искусства и занимает свое особое место в системе художественной культуры человечества. Этому процессу способствовала ориентация гуманистов на античность. Из трудов Аристотеля они почерпнули основные принципы организации театрального действа и теорию таких драматических жанров, как комедия и трагедия. Если в период Средневековья театральные действа были составной частью народной ярмарочной культуры (фарсы, соти и пр.) или же дополнением к церковным службам (мистерии, моралите и др.), то в эпоху Возрождения театр оформляется как особая форма эстетической деятельности, способствующая не только воспитанию и развлечению, но и выполняющая гносеологические функции. Зарождение нового театра связано с Италией. Именно здесь появляются первые трагедии («Софонисба» Триссино) и комедии (Л. Ариосто, Н. Макиавелли). Здесь же возникают первые профессиональные труппы, ориентирующиеся на античные принципы организации спектакля. Утверждение театра как полноправного вида искусства происходит в Англии, особенно в период расцвета «елизаветинской драмы». В Англии появляется первый публичный театр Д. Бербеджа, и начинают строиться специальные помещения для театральных представлений («Лебедь», «Глобус» и др.), причем за образец берутся театры Древней Греции и Рима. К. Марло создает трагедии, в которых ставятся проблемы возможностей познания мира человеком («Трагическая история доктора Фауста»), власти («Тамерлан Великий»). Особое место в творчестве этого драматурга занимает трагедия «Мальтийский еврей». В ней звучат весьма тревожные ноты, связанные с оценкой противоречивой роли буржуазии, стремящейся к пересмотру всех культурных ценностей человечества. Наиболее яркой фигурой ренессансного театра явился, безусловно, Уильям Шекспир — гениальный драматург, режиссер и организатор театра. «Шекспиризация» способствовала расцвету театрального искусства в большинстве стран Европы, а пьесы У. Шекспира стали своеобразным критерием сценического мастерства многих великих актеров.

Своеобразный характер имело северное Возрождение (Германия, Нидерланды, Франция). Оно от-стает от итальянского на целое столетие. В искусстве северного Возрождения больше средневекового мировоззрения, влияния религии, символики. Философской основой северного Ренессанса был пантеизм, который, не отрицая Бога, как бы растворяет его в природе. Основателем и крупнейшим представителем северного Возрождения был Альбрехт Дюрер. Он был теоретиком искусства, первым в Германии создал труд о перспективе. Дюрер был автором множества картин, гравюр, гравюр на дереве, рисунков и акварелей. Влияние пантеизма обусловило появление пейзажа как самостоятельного жанра. Немецкие пейзажисты — А. Дюрер, Л. Кранах. В искусстве северного Возрождения также получил развитие портрет. Немецкие портретисты были безразличны к красоте, для них главное — передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа, иногда — в ущерб красоте, идеалу. Крупнейшие портретисты: в Германии — Дюрер, Гольбейн, в Нидерландах — Ян ван Эйк, ван дер Вейден, во Франции — Фуке. В рамках северного Возрождения возникает и развивается (прежде всего, в Нидерландах) бытовая картина. Крупнейшим мастеров этого жанра был Питер Брейгель, писавший сцены из крестьянской жизни. Нидерландских художников отличала крайняя тщательность письма. В северном Возрождении главное место заняли вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к Реформации и протестантизму.

В отличие от средневековья, когда главными заказчиками произведений были церковь и крупные феодалы, теперь значительно расширяется круг заказчиков и изменяется их социальный состав. Наряду с церковью нередко заказы художникам дают и цеховые объединения ремесленников, и купеческие гильдии, и городские власти, и частные лица — как знать, так и бюргеры.

Наряду с монументальными все более широкое распространение получают станковые формы — живопись на дереве и холсте, скульптура из дерева, бронзы, терракоты и майолики.

Проторенессанс — это подготовка к Возрождению, он был тесно связан со средневековьем. На рубеже XIII и XIV столетий итальянская культура переживает блестящий подъем. Культура Италии XIII — XIV веков сложна и противоречива. Многое в ней еще органически связано с общеевропейской средневековой культурой, но одновременно в ней появляются новые черты, предваряющие развитие Ренессанса.

Развитие проторенессансных тенденций протекало неравномерно. Их расцвет приходится на конец XIII и первые десятилетия XIV века. В архитектуре, скульптуре и живописи выдвигаются крупные мастера — Никколо и Джовани Пизано, Арнольфо ди Камбио, Пьетро Каваллини, Джотто, творчество которых во многом определило дальнейшее развитие итальянского искусства, заложив основы для обновления.

С середины столетия в итальянской живописи и скульптуре усиливается влияние готики. Готический стиль возник в архитектуре Италии из Франции в XIII столетии. Он получил распространение в Северной Италии и Тоскане — области средней Италии, расположенной к северу от Рима. И держался здесь до XV века, существуя параллельно или переплетаясь с развивающимся новым стилем Проторенессанса. Однако итальянская готика существенно отличается от французской. Она ограничивается применением декоративных элементов готического стиля: стрельчатых арок, башенок-филиалов, пинаклец, роз. Особенностью итальянской церковной архитектуры является также возведение куполов над местом пересечения центрального нефа и трансепта. К числу наиболее прославленных памятников этого итальянского варианта готики принадлежит собор в Сиене (XIII — XIV век).

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии. Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы. Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства. В 1260 — 1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.

Новые веяния проникают и в живопись Италии. В изобразительном искусстве безличное цеховое ремесло уступает место индивидуальному творчеству. В течение некоторого времени значительная роль в этой области принадлежала художникам Рима. Римская школа выдвинула одного из крупнейших мастеров Проторенессанса — Пьетро Каваллини. Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчест-ве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим. Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи «византийской» или «греческой» манере. Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе. Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Рождение проторенессансного искусства Флоренции связывают с именем Ченни ди Пеппо, прозванного Чимабуэ. Ему удалось выйти за пределы византийского канона и предопределить новые живописные формы.

Но самым радикальным реформатором живописи был один из величайших художников итальянского Проторенессанса Джотто ди Бондоне (1266/67 — 1337 год). В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись. Основной работой Джотто является роспись капеллы дель Арены в Подое. Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает их в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру. Джотто предопределил путь развития Ренессанса: динамику, драматичность повествования, пере-ход от плоскостных изображений к объемным и рельефам. Новая концепция живописи основывается на перспективе и объемной трактовке пластической фигуры. Джотто заложил основу искусства Возрождения. Хотя он не был единственным художником своего времени, ставшим на путь реформ, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с существенными принципами средневековой традиции делают его родоначальником нового искусства.

Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века — первой половины XIV века была Сиена. Формирование его художественной школы происходило в одно время с флорентийской, но искусство этих двух крупнейших тосканских городов различно, как различны были их жизненный уклад и их культура. Сиена была давней соперницей Флоренции. Это привело к ряду военных столкновений, оканчивавшихся с переменным успехом, однако к концу XIII столетия перевес оказался на стороне Флоренции, пользовавшейся поддержкой Папы.

Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел. В XIII — XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в 1284 — 1297 годах Джованни Пизано.

Характерные черты мировосприятия этого времени присущи литературе, особенно в работах поэта гуманиста Данте Алигьери (1265 — 1321 г. г.), автора таких произведений, как «Новая жизнь» и «Комедия» которую потомки, выражая свое восхищение, назвали «Божественная комедия». В «Комедии» Данте взял привычный для Средневековья сюжет и сумел силой своего воображения провести читателя по всем кругам Ада, Чистилища и Рая; некоторые простодушные его современники полагали, что Данте действительно побывал на том свете.

«Божественная комедия» состоит из трех частей: «Ад», «Чистилище», «Рай». В Аду, глубоко под землей, терзаются вечной болью грешники — убийцы, самоубийцы, предатели, насильники, испытывающие вечные душевные и физические муки. Обитатели Чистилища, горы-острова — мудрые и уравновешенные. Это праведные язычники, не знающие Христа, все добрые люди, поклоняющиеся лжебогам. Прибывших сюда ждут долгие и мучительные раздумья о Боге, справедливости и неотвратимости возмездия за грехи; здесь, в Чистилище, пытаются постичь высшую целесообразность мироздания. Лучший уголок Чистилища — на вершине горы. Это Земной Рай. Души многих способны очиститься от грехов, искупить их раскаянием, подняться до Земного Рая и даже взлететь в небеса, в Рай настоящий, небесный. В Небесном Раю «слава того, кто всей вселенной движет, проникновенно сияя, струится». Данте описывает, как он вместе с Беатриче посетил Небесный Рай, беседовал там с праведниками. На Луне обитают души монахинь, похищенных из монастырей и насильно выданных замуж, не по своей вине и воле не сдержавших обета девственности. Это духи Луны. На Меркурии — второй райской сфере — обитают души-светы честолюбивых деятелей, жизнь которых была праведной. Третье небо — Венера — пристанище для любвеобильных праведников. Солнце населяют сияющие души богословов, мудрецов, философов. На Марсе собираются души воителей за веру. Юпитер — место, где витают души справедливых; к Сатурну стремятся души созерцателей-праведников. Следующей, восьмой райской сферой, является «Гнездо Леды» в Созвездии Близнецов, здесь находят приют души великих праведников. В этом же Созвездии Близнецов находится и высшая, девятая, сфера Рая — Эмпирей. Центр ее — крохотная и ослепительно яркая точка, вокруг которой вращаются остальные восемь райских кругов. Сюда попадают души младенцев, блаженных, отсюда исходит верховный и самый ослепительный Вечный Свет, помогающий обрести высшее знание и истину. Это «Любовь, что движет солнце и светила».

Широкое признание получает творчество Франческа Петрарки (1304 — 1374 г. г.), считающегося первым гуманистом Европы («Канцоньерэ»). Всемирную известность получили его сонеты на жизнь и смерть мадонны Лауры.

Последователем Петрарки был писатель — гуманист Джовани Боккаччо (1313 — 1375 г. г.), автор «Декамерона» — собрания реалистических новелл, объединенных общим гуманистическим идеалом и представляющих единое целое, сделавший значительный вклад в развитие итальянский литературный язык на основе народного.

Данте, Франческа Петрарка и Джованни Боккаччо — знаменитые поэты Возрождения, были создателями итальянского литературного языка. Их сочинения уже при жизни получили широкую известность не только в Италии, но и далеко за ее пределами, вошли в сокровищницу мировой литературы.

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры. Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того «реализма деталей», который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности. В своей борьбе с традициями готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунеллески, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.