Особенности современного музыкального искусства

Современному горожанину сложно воспринять фольклор — чуждую ему составляющую культуры, но авторское музыкальное самодеятельное творчество будет им осмыслено и понято, подвергнется определенному воздействию для изменения.

Ни для кого не секрет, что культура нашего поколения — это прежде всего музыкальная культура. Музыкальные носители (проигрыватель, радио, магнитофон, СD-плейер, компьютер) стали общедоступными и любые новшества в музыкальном мире распространяются через страны и континенты с огромной скоростью. Вместе с музыкой распространяется и идеология этой музыки, её атрибуты, определённый стиль жизни.

Для современной музыки характерны смешение стилей и своеобразная эклектичность: в ней сочетаются не только разные стили (регги, амбиент, фанк), но и элементы разных этнических культур (ориентальные мотивы в музыке английских рок-музыкантов, русская классика в американском рэпе) и даже разных эпох (классика в современной электронной музыке или рэпе).

Много внимания в молодежных изданиях уделяется таким культурным образцам, как соединение индийского фольклора и современной британской электронной музыки. Именно в электронной музыке, ставшей в какой-то степени символом конца столетия, особенно много синтетических стилей. Рок и «электроника» также взаимопроникают друг в друга.

Еще одной особенностью современной электронной музыки является то, что она может обходиться без текста. В эпоху популярности рок-н-ролла и рока лидерами в мировой музыке были англоязычные страны, так как эти стили хорошо звучат на английском языке. Теперь же вместе с ослаблением значимости текста на широкую музыкальную сцену выходят неанглоязычные страны, например, Франция.

Как мы уже говорили выше, современное музыкальное искусство представлено в различных стиля и направлениях.

Определим основные особенности направлений в современном музыкальном искусстве.

Поп-музыка — понятие, охватывающее разнообразные стили и жанры преимущественно развлекательного эстрадного музицирования 20 в. Следует отличать поп-музыку от популярной музыки в широком смысле слова, т. е. совокупности наиболее известных, часто исполняемых произведений концертного репертуара.

Выдвинутый в 1950;х гг. термин «поп-музыка» первоначально применялся для обозначения рок-музыки. Ныне к поп-музыке относят все явления коммерческой музыкально-развлекательной «индустрии», в том числе шлягер. Важнейшим средством распространения Поп-музыки является грамзапись, что отражается на облике композиций поп-музыки. (напр., рок-альбом). Современным рынком сбыта поп-музыки совместно владеют около 10 англо-американских фонографических концернов, имеющих тесные связи с радио и ТВ различных капиталистических стран, с концертными организациями, прессой, магазинами, дискотеками. Их деятельность обеспечивает постоянную коммерциализацию и стандартизацию творческих находок, а также продвижение к популярности артистов-" звезд", узаконивающих или умело копирующих комплекс модных стилистических и тематических признаков. Однако в рамках поп-музыки, особенно «новой» т. е. рок-музыки, в отличие от «старой» (шлягера) постоянно возникают течения и явления, противостоящие коммерческой «индустрии» с ее идейной тенденцией конформизма по отношению к буржуазным ценностям. К таковым относился в начале своего развития «фолк-рок» (Б. Дилан), внесший в поп-музыку острую социальную тематику (в частности, антивоенную). С середеины 60-х гг. в поп-музыке обрели большое значение так называемые третичные факторы композиции (сложные виды электроакустических трансформаций, наложений звучания, монтажа) в отличие от «вторичных» (аранжировки) и «первичных» (ритмические и мелодико-гармонические ткани).

Поп-музыка стала значительным социально-культурным феноменом 20 в., оказав воздействие на эстрадную музыку многих стран, в т. ч. СССР.

Регги (reggae) — одна из национальных форм поп-музыки. Корни регги — в народной музыке Ямайки (и Латинской Америки вообще), а также в ритм-энд-блюзе. Этот сплав возник в 60-е годы, когда ямайские музыканты попытались по-своему воспроизвести новоорлеанский ритм-энд-блюз, который слышали по радио. Любовь ямайцев к ритм-энд-блюзу не случайна — ведь многие жители «солнечного острова» были потомками чернокожих рабов, завезенных на Ямайку в XVII веке из Африки.

Движение регги — это не только музыка, но и определенное мировоззрение. Религией ямайских регги-музыкантов (а позже и белых исполнителей регги) стало растафарианство. Рас Тафари Макконен — император Эфиопии, который, согласно предсказанию, должен был принести свободу всем страдающим, помочь им покинуть «Вавилон» и вернуться на Родину, в освобождённую Африку, к этническим и духовным «корням» (понятие roots — одно из важнейших у растаманов). Идеалом является всеобщее равенство и братство, однако, достигаться оно (по мнению большинства растаманов) должно не революционным, а духовным путем. Инструментом личностного совершенствования и всеобщего примирения для растаманов стала марихуана, почитаемая на Ямайке, как трава мудрости (по преданию, она выросла на могиле царя Соломона). У растаманов есть свои цвета (сочетание красного, желтого и зеленого); их можно безошибочно опознать по так называемым дрэдам (прическа из скрученных в косички волос), которые, согласно раста-представлениям, являются антеннами в духовный мир, средством общения с богом Джа.

Историческим и стилистическом предшественником регги является ска, у которого регги позаимствовало характерную ритмику и инструментарий. Однако ска было слишком быстрым, чтобы танцевать под него знойным ямайским летом. Темп был значительно замедлен, а ритм стал еще более расслабленным и прихотливым: сильные доли часто пропускалась вообще, а слабые активно акцентировались (аккордами духовых и гитары). Басовая партия могла быть достаточно витиеватой. Найти «правильный» ритм для регги-музыканта было очень важным — только так можно создать «позитивные вибрации», которые и должна транслировать музыка регги.

Мир регги очень разнообразен — он простирается от совершенно безыскусного, неприукрашенного регги в исполнении старейшины Ли «Скрэтча» Перри до эстрадного, «приглаженного» варианта Элтона Эллиса. Но королем и классиком регги-движения, конечно же, был и остается Боб Марли, сумевший высказать в музыке все чаяния и надежды растаманов. Его регги, оставаясь миролюбивой танцевальной (к тому же, интересно инструментованной) музыкой, несло и мощный социально-политический заряд, призывало растаманов и все человечество не забывать о «корнях», о возвращении к истокам. Боб Марли скончался в 1981 году, однако до сих пор продолжают выходить неизданные прежде записи. Для растаманов он является не просто поэтом и музыкантом, но и пророком. Среди крупных фигур движения следует назвать Питера Тоша (начинавшего свою карьеру вместе с Марли в составе группы THE WAILERS) и Линтона Квези Джонсона — пожалуй, наиболее политизированных регги-деятелей, позволявших себе весьма резкие высказывания против американского и британского правительства. Линтон Квези также стал изобретателем даб-поэзии (поэтический текст, монотонно начитываемый на ритм регги). Необходимо вспомнить также TOOTS & THE MAYTALS (им приписывается само изобретение слова «регги»), Макса Ромеро, Юниора Марвина, Банни Ливингстона, BLACK UHURU, BURNING SPEAR, STEEL PULSE, ASWAD, CULTURE и др.

В 70-е годы музыка регги начала проникать в Европу и Америку. Боб Марли давал концерты в Лондоне, его пластинки достигали высоких позиций в хит-парадах США. В 1976;м артист был вынужден покинуть Ямайку, спасаясь от преследования — отныне он поселился в Туманном Альбионе (а Линтон Квези переехал сюда еще раньше, начав активную подрывную деятельность). Музыка регги пришлась по душе и панкам (THE CLASH), и диско-исполнителям (SUPERMAX). Эстафету переняли пост-панки — POLICE представили несколько отстраненный, холодноватый вариант регги. В «опопсении» жанра сказали свое веское слово британцы UB40 (в составе этой группы были и выходцы из Ямайки). Регги приобретало все большую коммерческую популярность. В 1983 ямайской BLACK UHURU вручили премию Grammy Award как лучшей регги-группе. С тех пор с регги экспериментируют многие музыканты; появился и электронный вариант этого стиля (даб).

Удивительно, но интерес к регги проснулся и в далекой от жаркого ямайского солнца России. Как утверждают историки, случилось это еще на рубеже 70−80-х. Первыми пропагандистами регги в России стали «Аквариум» и… «Карнавал» А. Барыкина. Среди нынешних русских регги-групп можно выделить «Джа Дивижн», «Остров» и «Маркшейдер Кунст».

Джаз (jazz) — направление профессионального музыкального искусства. Возник на юге США в конце 19 — начале 20 вв. в результате взаимовоздействия африканской и европейской музыкальных культур.

Истоки джаза — в полуимпровизационных формах народного творчества, в трудовых, религиозных, светских песнях негритянского населения, а также в танцевально-бытовой музыке белых поселенцев США.

Термин «джаз» употребляется с середины 1910;х гг.; первоначально так называемые небольшие оркестры, а также исполняемая ими музыка. Джазу свойственны неакадемические способы звукоизвлечения и интонирования, импровизационный характер изложения мелодии и ее разработки, регулярная ритмическая пульсация, повышенная эмоциональность.

В течение первых двух десятилетий 20 века сформировался новоорлеанский стиль джаза, для которого характерна коллективная импровизация мелодической группы оркестра (корнет, кларнет, тромбон) на фоне 4-дольного аккомпанемента, исполняемого ритмогруппой (ударные, духовые или струнные, бас, банджо, иногда фп.). Постепенно установились нормы исполнения танцевальных пьес, в которых предусматривалась сольная импровизация после коллективного изложения основной мелодии. Этим характеризуется чикагский стиль, развивавшийся в 1920;е гг. и выдвинувший джазовых солистов (трубачи — Кинг Оливер, Л. Амстронг, кларнетисты — С. Беше, Дж.Л. Рапполо, тромбонисты — К. Ори, Дж. Брунис, банджист Дж. Сент-Сир, барабанщик Б. Доддс). К началу 1930;х гг. появился стиль свинг (от англ. — качаться), связанный с деятельностью больших оркестров (биг-бендов). Заметно усиливается роль аранжировки, в которой противопоставляется или объединяется звучание 4−5 саксофонов, 3−4 труб, 3−4 тромбонов на фоне ритмогруппы, исполняющей танцевальные ритмоформулы. В конце 1920;х гг. большую известность приобрели нью-йоркские оркестры Ф. Хендерсона, Дюка Эллингтона, Дж. Лансфорда, в 1930;е гг. — Б. Д. Гудмена, Т. Дорси, А. Шоу, Ч. Уэбба, Каунта Бейси.

Благодаря бурному развитию грамзаписи джаз завоевал огромную популярность. Его тембровые особенности и ритмическую активность оказали сильное воздействие на всю бытовую, развлекательную музыку США и стран Западной Европы, привели к возникновению «коммерческого» джаза, симфоджаза и других видов эстрадной музыки. В начале 1940;х гг. в результате творческих поисков негр. музыкантов (альт-саксофонист Ч. Паркер, трубач Дж.Б. Гиллеспи, пианисты Б. Пауэлл, Т. Монк и др.), сгруппировавшихся вокруг одного из клубов Нью-Йорка и не удовлетворенных лишь развлекательно-танцевальной ролью джаз был создан стиль би-боп (звукоподражательное слово), в котором появились насыщенные диссонансами темы, усложнились мелодика, ритмика, гармония, фразировка; внимание слушателей концентрировалось не столько на самом музыкальном материале, сколько на личности импровизатора.

Блюз (blues, от blue devils — грусть, меланхолия) — направление афроамериканской народной музыки, возникший во второй половине XIX века. Как отмечают исследователи, блюз родился как музыка социального и расового неравенства, песня угнетенного афроамериканского населения. Оставаясь по сути своей традиционным, народно-бытовым искусством, блюз постепенно профессионализировался, вышел на концертную эстраду, дав в ХХ веке целую плеяду ярчайших исполнителей.

Родиной блюза считается дельта реки Миссиссиппи. Самые ранние формы блюза — дельтаили сельский блюз (Чарли Паттон, Сон Хаус, Роберт Джонсон). В 1920;х годах, на волне массовой миграции темнокожего населения в города в поисках работы сформировался так называемый классический, или городской блюз («St. Louis Blues» У. Хэнди (1914), творчество Ма Рэйни, Ч. Хилла, Бэсси Смит). Выделяют также разновидности блюза: техасский блюз, чикаго-блюз, джамп-блюз, кантри-блюз, соул-блюз, зайдеко, уэстсайд-блюз, лайт-блюз, необлюз и др. Поначалу блюз исполнялся в основном в сопровождении акустических инструментов (гитара, часто самодельная, банджо и др.); в 30-е годы появились электроинструменты, ансамбли с участием фортепиано и ударных. Более интенсивно, мощно и энергично звучащая форма блюза — ритм-н-блюз — нашла распространение в послевоенное время (Мадди Уотерс, БиБи Кинг, Бадди Гай и др.). Попытки белых музыкантов (Билл Хэйли, Элвис Пресли) делать кавер-версии «черных» блюзов привели к появлению рок-н-ролла, за которым в начале 60-х последовала волна т.н. «белого ритм-энд-блюза» (Alexis Korner Blues Incorporated, John Mayall’s Bluesbreakers, Rolling Stones, Эрик Клэптон и др.). Дальнейшее ужесточение саунда, «опрощение» блюзовой манеры интонирования дало хард-рок (Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath и др.). Вместе с тем, блюзовое искусство существует в своих традиционных формах, и, хотя носители его, к сожалению, уходят (Джон Ли Хукер), на смену им появляются музыканты нового поколения (Кенни Уэйн Шеферд).

Для блюзов характерен особый тип формы, т.н. «блюзовый квардрат». Это 12-тактовый период (соответствующий 3-строчной стихотворной строфе) с общей схемой гармонических последовательностей: T-T-T-T / S-S-T-T / D-S-T-T (противоречит «классической» логике тонико-доминантовых тяготений).

Для мелодии характеры вопросо-ответные структуры и использование блюзового лада. Специфика последнего связана с так называемыми «блюзовыми нотами» (которые как раз и придают музыке специфический «горько-сладкий» эмоциональный привкус): низкие 3, 7, а иногда и 5 ступени в мажоре (минорные блюзы редки). Причем степень «низкости» этих ступеней не поддается точной фиксации и может варьироваться в пределах более полутона («блюзовые зоны»). Блюзовое интонирование (с элементами глиссандирования) выполняется голосом, с помощью «подтяжек» (bends) струн и приема bottleneckslide на струнно-щипковых инструментах и др. Тексты песен могут быть самого разного содержания, но более характерны темы любовных страданий, разлуки, обездоленности, хотя есть немало блюзов, в которых воплощена вся полнота и радость жизни.

Электронная музыка. Электронная школа ориентирована в первую очередь на изучение и применение возможностей звукосинтеза, создание абсолютно новых, ранее не слышанных, искусственных тембров. Исторически почва для возникновения электронной музыки была подготовлена развитием сонорной трактовки звука в произведениях композиторов первой половины ХХ века (сонорика, брюитизм). Электронная музыка возникла в Германии и впервые заявила о себе в 1951 году, когда на Летних курсах современной музыки в Дармштадте В. Майер-Эпплером был продемонстрирован образец монтажа «электрозвуков». Крупнейшие представители электронной школы — немцы Херберт Аймерт, Карлхайнц Штокхаузен, Ханс Вернер Хенце, французы Анри Пуссёр, Пьер Булез, итальянцы Бруно Мадерна, Лучано Берио, японец Тосиро Маюдзуми и др.) Представители электронной школы оперируют со звуком на уровне его праосновы — то есть обертонового ряда. Достижения электронной школы сильно повлияли на поп-, рок-, хаус-музыку.

Электроника (electronica) — термин, часто употребляющийся в нынешней литературе о музыке, в статьях критиков и высказываниях самих артистов. Особенно широко это понятие стало применяться после выхода компилятивной серии «New Electronica» (1993;94), на которой были представлены американские и европейские исполнители, работающие на поприще хауса и техно. Подчеркнем, что для англоамериканского музыкального тезауруса и английского языка вообще слово «электроника» (electronica) является неологизмом, так как русскому «электроника» (наука о взаимодействии заряженных частиц и о методах создания электронных приборов и устройств) в английском соответствует термин electronics. Во всеохватности, и, вместе с тем, некоторой размытости понятия «электроника» кроется опасность его неправомерного использования.

Этимология термина «электроника», безусловно, связана с понятием «электронная музыка», которое появилась в теории академического авангарда еще в 50−60-е годы. Однако «сокращение» в данном случае вряд ли равно родительскому термину; не стоит распространять его на академический авангард (хотя обратное возможно). Термин «электроника» следует относить, скорее, только к области популярной музыки, не ограничивая при этом область его применения только клубно-танцевальными жанрами (как это иногда делается). К электронике можно отнести и многочисленные релаксационно-фоновые направления (в том числе и одно из хронологически наиболее ранних — эмбиент, а также нью-эйдж и др.), и электронную «музыку для слушания» (прогрессив-хаус, этно-хаус и др.). В то же время, не стоит забывать, что некоторые стили и жанры могут пользоваться как электронный, так и «живой» инструментарий (тот же нью-эйдж, лаундж и др.).

Таким образом, электроника — понятие, охватывающее обширный спектр направлений популярной музыки, в которых для создания и реализации музыкального произведения используются исключительно или преимущественно электронные инструменты (аналоговые и цифровые синтезаторы, компьютеры, ритм-боксы, сэмплеры, секвенсоры). Процесс сочинения и воспроизведения, с одной стороны, упрощается, с другой — предъявляет музыкантам необходимость в глубоких технических познаниях. Многие произведения электроники могут существовать лишь в записи, а их исполнение возможно без непосредственного процесса звукоизвлечения (часто используются фонограммы или их фрагменты). Вернее было бы сказать, что электроника порождает новые типы музицирования (творчество ди-джеев и «координаторов», компьютерные способы создания произведений и др.) и новые типы ансамблей (one-man-project, а также малочисленные составы, где каждый из музыкантов берет на себя сразу несколько исполнительско-продюсерских функций).

Развитию и распространению интереса к творчеству на поприще электроники немало способствовало внедрение цифровых методов звукосинтеза и звукопередачи, появление формата CD. В целом, можно констатировать факт экспансии электронно-цифровых типов саунда в 80−90-е годы, и некоторый отход на второй план аналогового (акустического) звука. Это вызывает нарекания из стана поклонников «живой» музыки, недовольных «умертвлением» звуковой материи, отсутствием непосредственного контакта между музыкантом и инструментом, некоторой механичностью, холодностью электронного звучания. В последнее время многие музыканты стремятся синтезировать в своих произведениях электронику и «живое» исполнение, направленно разыскивают и используют для создания более мягкого, «дружественного» саунда старые аналоговые синтезаторы.

Рок-музыка (английское rock music, сокращенное от rock’n’roll), направление в американской и европейской популярной музыке (с 1950;х гг.), родившееся на волне социальных «нонконформистских» движений молодежи (смотри «Контркультура»). Зародившись в США в форме рок-н-ролла, рок-музыка завоевывает широкую популярность с 60-х гг., благодаря главным образом рок-группам Великобритании — «Битлз», «Роллинг Стоунз» и др. (до 80-х гг. обе страны занимали ведущие позиции в мировой рок-музыка). Усвоение рок-музыкантами композиционных и ладогармонических особенностей блюза сыграло решающую роль в формировании стиля рок-музыки. Ее существенными чертами являются особая ритмическая пульсация в басу (бит), использование преимущественно электромузыкального инструментария, обусловливающего повышенный динамичный тонус музыки, превалирование ритмического и гармонического начал над мелодическим. В дальнейшем, развиваясь во взаимодействии с поп-музыкой и в связи с расширением средств шоу-бизнеса (особенно телевидение), рок-музыка прошла значительную стилевую эволюцию. Ныне представляет собой разветвленную культуру, складывающуюся из множества музыкальных течений со своими особенностями в различных странах (например, для отечественной рок-музыки наиболее существенную роль играет текст).

Рок-музыка представлена различными стилями, среди которых можно выделить хард-рок и альтернативный рок.

Хард-рок К концу 60-х «молодежные революции» уже практически отгремели, но осталась масса нерастраченной юношеской энергии, требовавшей выхода — его предложил хард-рок (hard-rock). Этот стиль следует отнести к числу самых ортодоксальных, мейнстримных направлений рок-музыки, генетически связанных с блюзовой «праосновой». От блюза хард-рок перенял своеобразный «генетический код» — композиционно-гармоническую схему, лад, манеру интонирования, которые в хард-роке, впрочем, были значительно «опрощены» белыми исполнителями. Непосредственными предшественниками хард-рока стали британский блюз-рок и бит-музыка. В недрах прото-харда совершенствовалась техника изложения и развития музыкального материала с помощью повторяемых ритмоинтонационных формул — так называемых риффов (riffs), уходящая корнями в специфику африканского хорового пения, европейскую народную музыку (английский граунд) и профессиональные жанры музыки Востока (рага, макам). Кроме того, в формировании хард-рока значительную роль сыграли инструментальный концерт эпохи барокко и англокельтская баллада.

Одним из «опознавательных знаков» хард-рока стал его звук. Ломающий устоявшиеся стереотипы музыкального восприятия, привычные ориентиры в организации звукового пространства, хард-рок требовал определенной слуховой перестройки, даже решимости для вхождения в новую аудиосреду. Этому стилю было тесно в клубах и на небольших концертных площадках, он тяготел к большой сцене, стадионам, огромным звукоусилительным порталам, массовой аудитории, которая стремилась сплотиться в едином порыве и одновременно отделить себя от окружающего мира своеобразным «звуковым шатром». Звучание хард-рока отличалось заметной тяжестью, высокой плотностью, гипертрофией громкостно-динамических характеристик, усилением метроритмического начала, становившегося жесткой основой для виртуозной импровизации. Королевой хард-рока стала электрогитара — пылкая electric lady, послушная беглым пальцам вдохновенных «гитарных героев». Неистовый Джими Хендрикс (Jimi Hendrix) своим необычайным техническим мастерством и сверхэмоциональной интенсивностью музыкального высказывания задал высочайшую «планку» гитаристам последующих поколений. Энергетика хард-рока — по большей части экстремально-экстатического, обостренно-трагического свойства — чаще всего воплощалась в поэтических образах героики, мистики, темах социального неравенства и неразделенной любви.

В числе первых собственно хард-роковых альбомов необходимо назвать «Led Zeppelin II» (1969) проблюзовой группы LED ZEPPELIN, вышедший несколькими месяцами позже дебютный (одноименный названию группы) альбом «сатанистов» BLACK SABBATH (1970), а также «In Rock» (1970) «классицистов» DEEP PURPLE (все группы — Британия). В «золотой фонд» хард-рока вошли абсолютно все диски ZEPPELIN, работы SABBATH 1970;76 гг., альбомы PURPLE 1970;73 гг., так же, как и большинство пластинок «хард-группы № 4» — американской GRAND FUNK. В первой половине 70-х к хард-роковому стану примкнули британские коллективы URIAH HEEP, WISHBONE ASH, BUDGIE, UFO, шотландская NAZARETH, ирландская THIN LIZZY, американская BLUE OYSTER CULT, канадские GUESS WHO и BACHMAN-TURNER OVERDRIVE (BTO) и др.

С начала 70-х в рамках хард-рока, нередко на какой-либо жанровой основе, начали развиваться и более самостоятельные стилевые разновидности: тяжелый рок-н-ролл (английская GEORDIE, американская AEROSMITH периода 70-х гг., австралийская AC/DC), тяжелый буги (английская STATUS QUO), кантри-хард-блюз (американская ZZ TOP), мелодичный хард-рок, или софт-хард (немецкая SCORPIONS, американские MOUNTAIN и CHEAP TRICK), поп-хард (FOREIGNER) и др. В конце 70-х (не без влияния панка) от хард-рока отделились наиболее экстремистская его ветвь — хэви-метал (heavy metal), которая очень скоро стала мощным конгломератом стилей.

В дальнейшем судьба хард-рока была непростой, однако он смог пережить и «интервенцию» на рок-сцену панка и диско, и наступление пост-панка и «новой волны» на рубеже 70−80-х, и «половодье» электронно-танцевальных стилей в конце 80-х — 90-е гг., и даже вторжение гранджа на рубеже 90-х. Некоторые группы, как, например, NAZARETH, отдав дань «модным» стилям, вернулись, в конечном итоге, к типовому хард-року, другие дали жизнь новым направлениям, как THIN LIZZY конца 70-х. Третьи же не изменяли себе никогда, придерживаясь раз и навсегда избранного «правильного» пути (AC/DC). В числе наиболее успешных работ рубежа 70−80-х следует назвать диски BLACK SABBATH и группы GILLAN, сольные релизы бывшего вокалиста SABBATH Оззи Осборна (Ozzy Osbourne), поп-хардовые эксперименты FOREIGHNER. В середине 80-х выделяются альбомы возродившихся в «классическом» составе DEEP PURPLE, сольное творчество Ронни Джеймса Дио (Ronnie James Dio). На основе хард-рока развивается и такое типично американское явление, как Adult Oriented Rock.

В 90-х в области хард-рока также появляются работы, сравнимые по своему достоинству с «золотым фондом». К ним можно отнести пластинку Озборна «Ozzmosis» (1995), альбом «Purpendecular» вновь возродившихся DEEP PURPLE (1995), совместные работы экс-зеппелиновцев Джимми Пейджа (Jimmy Page) и Роберта Планта (Robert Plant) «No Quarter» (1994) и «Walking Into Clarksdale» (1998), «Boogaloo» NAZARETH (1998). Серьезной заявкой на будущее стало и воссоединение BLACK SABBATH в оригинальном составе (1998). Все эти события свидетельствуют о неубывающей популярности хард-роковых идей, его устойчивости и жизнеспособности как одного из мейнстримных типовых стилей рок-музыки (хотя, впрочем, молодые хард-роковые команды сейчас серьезного успеха практически не добиваются).

Альтернативный рок. С середины 80-х развитие направлений, родившихся в русле панка и пост-панка, вступило в фазу «альтернативы» (alternative, alternative rock, alternative pop/rock). Сам термин «альтернатива», как и «новая волна», имеет значение не столько стилевое, сколько общекультурологическое: так называют группы, стремящиеся продемонстрировать свои некоммерческие (и даже антикоммерческие) идеалы и противопоставить себя мейнстриму (то есть блюзу, хард-року, «ортодоксальному» металлу, AOR’у, поп-музыке и т. д.). Очень важным пунктом в идеологической программе «альтернативы» является протест, направленный на весь мир вообще, на общество обывателей, в частности, а также и на своего «внутреннего врага». Впрочем, никаких конкретных мер по изменению этих «источников зла» музыканты «альтернативы», как правило, не предлагают — протест нередко переходит в депрессию.

Подобно героям панка, альтернативщики 80-х подписывали контракты в основном с так называемыми independent — «независимыми» (частными, небольшими) лэйблами и выступали против рекламы и массированных кампаний по «раскрутке» их продукции, ориентировались на довольно узкую «свою» аудиторию и т. д. (поэтому иногда в качестве синонима «альтернативы» используют термин «инди-рок»). Впрочем, уже в случае с SEX PISTOLS, приткнувшихся-таки на Virgin, было ясно, что использования коммерческих рычагов формирования потребительского интереса «независимым» не избежать. Когда в 1991 году на грандж-группу NIRVANA снизошел ошеломляющий коммерческий успех, она получила «горячую ротацию» на крупных телеи радиоканалах, верхние строчки хит-парадов, миллионные тиражи и огромные прибыли, идея «альтернативы» как таковая умерла. По этой очевидной для всех причине историю данного движения делят на две волны: 1985;1991 — «до», 1991 — 200… — «после» .

Сегодня понятия «индепендент» и «альтернатива» стали весьма условными. Очень многие независимые лэйблы поглощены мэйджор-компаниями; альтернативщики преспокойно вписались в мейнстрим и заполняют собой коммерческие чарты. Конечно, есть и такие, которые по-прежнему предпочитают слыть «независимыми», не желают жертвовать творческой свободой и возможностью экспериментировать, объединяясь под знаменем «инди-рока». Стоит, впрочем, отметить, что сегодня слово «индепендент» приобрело в какой-то мере пренебрежительный оттенок и часто употребляется в значении «никому не нужный», не сумевший и не достойный войти в «истэблишмент» .

" Альтернатива" объединяет очень много направлений, центральное место среди которых занимают явления, отталкивающиеся от панка — хардкор (ставший непосредственной основой ее становления), индастриал, грандж, различные разновидности «альтернативного металла» и др. Но в рамках движения появлялись и другие течения, тяготевшие к фолк-, поп-, фанк-, бит-стилистике, отличавшиеся большей мелодичностью, «артизированностью» саунда. Неоднократно проходили ривайвлы различных ретро-направлений (50-х, 60-х, 70-х годов) — таковы джангл-поп, пауэр-поп, брит-поп, ска-панк, поп-панк и др. Это было вполне естественным следствием ограниченности словаря «альтернативы», желанием музыкантов сказать что-то необычное, расширить свой художественный багаж. Зародившись как альтернативные, сегодня многие из этих течений, как уже говорилось, коммерциализировались и стали частью мейнстрима.

В настоящее время наибольшей популярностью у молодежи пользуется альтернативная техно-музыка Термин «техно» используется для описания многих типов электронной музыки. По данным Oor Pop Encyclopedia, например, техно — абстрактный вид хауса, и если хаусовые грувы как правило мягкие и плавные, то в техно используются жесткие и достаточно неистовые. Конечно, есть intelligent techno (мягкое и приятное), но кто говорит, что всю музыку можно подогнать под какую-то конкретную стилистику? Идеологически техно представляет собой воплощение механического бита и различных звуков (от апокалиптичных сирен до сэмплированных диалогов с телевизора и синтезированных шумов). Техно как стиль изначально появилось в городе Детройте в начале 80-х годов. Как и хаус, техно характеризует ровный kick, который идет на каждую четверть. Чаще всего техно немного быстрее, чем хаус (порядка 126−130BPM), и не содержит в бите диско-клэпов (хлопков), которые так любят ввернуть в хаусовую ритмику. Большой плюс техно в том, что оно дает обширную свободу для творчества: могут использоваться и различные перкуссионные звуки, белые шумы различных модификаций, а также диско-звуки, которые были популярны в конце семидесятых. Если брать наиболее жесткую ипостасию техно — минимализм, то весьма характерным является использование аритмичных звуков и фрагментов бита, которые помогают сознанию додумывать и трансформировать эту аритмию в упорядоченную мозгом структуру.

Минимал-техно — это всего лишь предельно простой ритм и несколько специфичных, зачастую синтезированных, звуков. Это техно с небольшим количеством различных шумов. С точки зрения литературного описания минимал-техно не представляет собой особенного интереса, так как это можно сделать с помощью одного предложения. Однако с музыкальной точки зрения этот стиль весьма интересен и оригинален именно из-за максимальной простоты минимала. Это можно сравнить с простотой струнного квартета по отношению к большому симфоническому оркестру (однако при этом ведь то, что делают квартеты, не становится менее любопытным). Слушайте побольше техно-минимализма, и с течением времени вы поймете значение и аритмии и пустого ровного бита…

Ambient. Эмбиент как материя возник буквально ниоткуда. У него нет особой даты возникновения, так же как и нет точного определения ambient — музыки. Однако многие музыковеды сходятся на мнении что неоценимую роль на становление эмбиентной музыки как стиля, сыграли в начале 70-х годов, всем известные Tangerine Dream и Brian Eno. Также на популярность ambient сильно повлияли так назваемые environmental recordings (теперешние «звуки природы» для медитации и релаксации) и саундтреки к фильмам. Все что мы имеем теперь для понятия ambient — бесформенная музыка, бесформенное ее определение, бесформенная история, прошлое и бесформенное будущее. Эта материя присутствует почти в каждой современной электронной записи и сильно укоренился практически во всех современных стилях. Все, что мы называем музыкой атмосферной, психоделичной — все так или иначе сильно привязано к эмбиенту. Элементы этой культуры присутствуют даже в таких резких стилях, как industrial или, допустим, hard trance. Однако, в чистом виде ambient присутствует в музыке очень редко, и музыканты малоизвестны — вряд ли кто-либо знает таких, как Lull, Panasonic, ранний Delerium, Steve Roach, Robert Rich, Pete Namlook, Vond и иже с ними. Самое большое заблуждение в данном случае — брать за точку отсчета музыку таких проектов, как Enigma, Pink Floyd, то есть музыку, в основе которой лежит другая музыкальная культура.

С полной уверенностью можно сказать, классическому, чистому эмбиенту присущи:

• 1. Наличие очень медленного, неявного ритма, или полное отсутствие последнего.
• 2. Использование звуков природы, или «псевдоприроды», то есть модели окружающей слушателя среды, так или иначе напоминающей о природе.
• 3. Отсутствие мелодии как таковой, или ее непостоянность и постоянная «текучесть» .
• 4. Упор на басовые звуки и полное отсутствие резких «движений» и звуков.
• 5. Длинная продолжительность композиции. от 10 минут и выше. Встречаются перлы и на 45, и 90 минут.
• 6. Отсутствие вокала, хотя часто используются речевые сэмплы и разного рода «повествования» .

Следует заметить, что электронному эмбиенту вообще чуждо вообще что-либо земное — музыка на 100% синтезированная, причем без цели синтеза живого звучания. Эта музыка самая тяжелая для восприятия и самая «мертвая» из всего ambient’a. Вообще, чем «мертвее, синтетичнее и безжизненнее» музыка, тем сильнее она связана с ambient’ом. Встречаются такие понятия, как например, «суицидный эмбиент» (проект Vond, например) — который ставит эксперименты над человеческой психикой, навязывает свою идею. А вообще-то такая музыка зачастую ненавязчива — как обычное созерцание спокойной природы. Главное — она всегда рисует некую картину, пусть даже и абстрактную или неяркую — будь то картина космоса, земли, другой планеты, другого времени. Очень важен тот факт, что слушать ambient — занятие сугубо личное. Человек должен слушать и осознавать музыку наедине со своим источником звука. И главное — чтобы создать и воспринять атмосферу музыки, нужно быть к этому готовым на 100%, иначе ничего, кроме раздражения, эта музыка вызвать не сможет. Хотя это зависит от психики слушателя и от его фантазии, потому как эмбиент по сути призван вызывать у слушателя почти визуальные ассоциации.

И, наконец, следует сказать, что «бесформенная музыка» — известный прием в дополнение чего-то визуального — будь то какая-то выставка, инсталляция, перфоманс, спектакль, кино. Причем идеологической несущей в разных случаях бывает как музыка, так и визуальная материя, а лучше, когда они выступают на равных правах.

Хип-хоп-культура всё настойчивее пробирается сквозь музыкальные джунгли. Она не даёт прохода на улицах, радуя глаз граффити, в клубах всё чаще устраиваются батлы, и уже не только парни, но и девчонки освоили этот замысловатый танец.

Что касается музыки, то хип-хоп (hip-hop) включает в себя элементы многих других музыкальных направлений, таких, как соул, фанк, ритм-энд-блюз, стрит-бит, джангл, трип-хоп. А также самое прямое отношение к хип-хопу имеют рагга, эйсид-джаз, драм-энд-бэйс. Кроме того, хип-хоп делится на статусы: independent (Q-Tip, Busta Rhymes…), commercial (Eminem, Dr. Dre, 2pac, Puff Daddy), gangsta (Snoop Dogg, Saffir…), progressive (Mr.Lif, Mos Def, Anticon…). Разбираться в музыкальных переплетениях хип-хопа можно до старости, ведь добавь количество ударных — и всё, конец одному стилю, начало другому. Даже самый заядлый хопер не до конца изучил все премудрости избранного направления.

В некотором смысле трип-хоп несколько схож со стилем listening techno, особенно с тех пор, как в начале 1994 года люди стали называть его танцевальной музыкой для лежебок из-за того, что темп этой музыки весьма медленный (ниже 120 ударов в минуту), и она явно не предназначена для проигрывания на танцполе. Основным признаком трип-хопа является хопово-брэйбитовый ритм плюс реггишный бас. Я, например, для себя определяю трип-хоп так:

• 1) сбитый ритм должен быть медленным,
• 2) в композиции должно использоваться большое количество звуков электронного происхождения,
• 3) очень часто трип-хоп выдает старинное, якобы пластиночное звучание.

Спутать трип-хоп можно только с хип-хопом. Поэтому трудностей с этим направлением у вас быть не должно.

Естественно, что охватить все стили и направления, существующие в современном музыкальном искусстве, в рамках курсовой работы не возможно. Мы выделили лишь основные, которые, кроме того, уже представлены в музыкальном искусстве России.