Архитектура и скульптура

В период архаической Греции зодчество представлено каменными или мраморными монументальными сооружениями. В VI в. выработался единый общегреческий тип храма в форме прямоугольной, вытянутой в длину постройки, со всех сторон обнесенной колоннадой, иногда одинарной (периптер), иногда двойной (диптер).

Тогда же определились основные конструкционные и художественные особенности двух главных архитектурных ордеров: дорического, особенно широко распространившегося на Пелопоннесе и в городах Великой Греции (Южная Италия и Сицилия), и ионического, пользовавшегося особой популярностью в греческой части Малой Азии и в некоторых районах европейской Греции. Типичными образцами дорического ордера с такими характерными для него особенностями, как суровая мощь и тяжеловесная массивность, могут считать храм Аполлона в Коринфе и храмы Посейдонии (Пестум) на юге Италии.

Более изящные, стройные и вместе с тем отличающиеся некоторой вычурностью декоративные убранства постройки ионического ордера были представлены в этот же период храмами Геры на о. Самосее, Артемиды в Эфесе (считавшийся одним из «семи чудес света»).

Наиболее массовым и доступным видом архаического греческого искусства была, безусловно, вазовая живопись. В VI в., господствует чернофигурная роспись, на желтой поверхности черным лаком изображены фигуры. В конце VI в., возникает краснофигурная роспись, когда фигуры остаются в цвете глины, а фон черно-лаковый.

В своей работе, ориентированной на самого широкого потребителя, мастера-вазописцы гораздо меньше, чем скульпторы или архитекторы, зависели от освященных религией или государством канонов. Поэтому их искусство было гораздо более динамичным, многообразным и быстрее откликалось на художественные открытия и эксперименты. Вероятно, именно этим и объясняется необыкновенное тематическое разнообразие, характерное для греческой вазописи VII—VI вв.

Именно в вазовой живописи раньше, чем в какой-либо другой отрасли греческого искусства, мифологические сцены начали чередоваться с эпизодами жанрового характера. При этом не ограничиваясь сюжетами, заимствованными из жизни аристократической элиты (сцены пиршеств, ристалищ на колесницах, атлетических упражнений и состязаний и т. п.), греческие вазописцы (особенно в период расцвета так называемого чернофигурного стиля в Коринфе, Аттике и некоторых других районах) не пренебрегают и жизнью социальных низов, изображая сцены полевых работ, ремесленные мастерские, народные празднества в честь Диониса и даже нелегкий труд рабов в рудниках.

В сценах такого рода особенно ярко проявились гуманистические и демократические черты греческого искусства, которые были привиты ему окружающей общественной средой, начиная с архаической эпохи.

Сталкиваясь с греческим искусством, многие выдающиеся умы выражали неподдельное восхищение. Один из известнейших исследователей искусства древней Греции, Иоганн Винкельман (1717−1768) говорит о греческой скульптуре: «Знатоки и подражатели греческих произведений находят в их мастерских творениях не только прекраснейшую натуру, но и больше, чем натуру, а именно некую идеальную ее красоту, которая… создается из образов, набросанных разумом». Все, кто пишет о греческом искусстве, отмечают в нем удивительное сочетание наивной непосредственности и глубины, реальности и вымысла. В искусстве, особенно в скульптуре, воплощен идеал человека.

Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поэтому гармония тела, внешнее совершенство — непременное условие и основа идеального человека. Греческий идеал определяется термином калокагатия (греч. kalos — прекрасный и agathos добрый). Так как калокагатия включает в себя совершенство и телесного сложения, и духовно нравственного склада, то одновременно с красотой и силой идеал несет в себе справедливость, целомудрие, мужество и разумность. Именно это делает греческих богов, изваянных древними скульпторами, неповторимо прекрасными.

Лучшие памятники древнегреческой скульптуры были созданы в V в. до н. э.

Но до нас дошли и более ранние произведения. Статуи VII—VI вв. до н. э., симметричны: одна половина тела — зеркальное отражение другой. Скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего наклона или поворота головы, губы раскрыты в улыбке. Позднее, в период классицизма статуи приобретают большее разнообразие форм.

Были попытки алгебраически осмыслить гармонию. Первое научное исследование того, что есть гармония, предпринял Пифагор. Школа, которую он основал, рассматривала вопросы философско-математического характера, применяя математические выкладки ко всем сторонам действительности. Не составили исключения ни музыкальная гармония, ни гармония человеческого тела или архитектурного сооружения. Пифагорейская школа считала число основой и началом мира.

На основании пифагорейской школы великий греческий скульптор Поликлет (V век до н. э.) создал скульптуру юноши-копьеносца, которую называют ''Дорифор" («Копьеносец») или «Канон» — по названию сочинения скульптора, где он, рассуждая о теории искусства, рассматривает законы изображения совершенного человека.

Копьеносец стоит неподвижно перед зрителем, потому что Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя.

В отличие от своего современника Поликлета, скульптор Мирон любил изображать свои статуи в движении. Вот, например, в статуи «Дискобол» (V в. до н. э.) Мирон, изобразил прекрасного юношу в момент, когда тот замахнулся тяжелым диском. Статуи Мирона и Поликлета были отлиты из бронзы, но до нас дошли лишь мраморные копии с древнегреческих оригиналов, сделанные римлянами.

Величайшим скульптором своего времени греки считали Фидия, украсившего мраморной скульптурой храм Афины — Парфенон. В его скульптурах особенно отражено, что боги в Греции есть не что иное, как образы идеального человека. Лучше всего сохранилась мраморная лента рельефа фриза длиной 160 м. На ней изображено шествие, направляющееся в Парфенон. Скульптор сотворил множество других произведений, лучшими из которых стали бронзовая колоссальная фигура Афины Промахос, воздвигнутая на Акрополе примерно в 460 г. до н. э., и не менее огромная, созданная из слоновой кости и золота, фигура Зевса для храма в Олимпии. К сожалению, к нашему времени подлинные работы не сохранились. Статуя Зевса производила такое впечатление, что, по словам древнего автора, люди, удрученные горем, искали утешения в созерцании творения Фидия. Молва объявила статую Зевса одним из «семи чудес света» .

Работы всех трех скульпторов были схожи тем, что все они изображали гармонию красивого тела и заключенной в ней доброй души. Это было основным направлением того времени.

Конечно, нормы и установки в греческом искусстве менялись на протяжении истории. Искусство архаики было более прямолинейным, в нем отсутствовала полная глубокого смысла недоговоренность, которая восторгает человечество в периоде греческой классики. В эпоху эллинизма, когда человек потерял ощущение устойчивости мира, искусство утратило свои старые идеалы. В нем стали отражаться чувства неуверенности в будущем, царящие в общественных течениях того времени.

Одно объединяло все периоды развития греческого общества и искусства: это, как пишет М. Алпатов, «особое пристрастие к пластике, к пространственным искусствам».

Хотя большинство греческих скульптур выполнялось в бронзе, так как мрамор был хрупок, однако именно фактура мрамора с его цветом и декоративностью позволяла с наибольшей выразительностью воспроизводить красоту человеческого тела.